Il loro legame è tenero ma rivestito di rigida formalità, dopo una vita passata all’insegna del diritto dove ogni cosa, secondo Mariano, va osservata dalla giusta distanza. Decide però di confessare alla figlia che quaranta anni prima è stato tradito dalla moglie Aurora, ormai scomparsa, e che lui quel trauma non l’ha mai superato, il tempo non ha lenito la ferita e l’ossessione di scoprire l’identità dell’amante continua ad essere come un tarlo che corrode la sua mente. Inoltre, altri dilemmi lo costringono a riflettere per tutto l’arco narrativo ovvero decidere se firmare o non firmare la legge sull’eutanasia (“Se non firmo sono un torturatore, se firmo sono un assassino”) e concedere o meno la grazia a due ergastolani finiti in carcere per aver ucciso i coniugi.

Una discesa nel chiaroscuro (De Santis non è mai completamente illuminato) e nei meandri dei cavilli legali, giudiziari e privati. Cosa è giusto e cosa non lo è? Cosa è morale e immorale? E poi la solitudine, gli anni che passano, la vecchiaia che incombe, la ricerca della leggerezza. E quindi… “Di chi sono i nostri giorni?” Questione privata e questione pubblica si intrecciano e innervano questa storia dai forti echi eastwoodiani. Pervade i corridoi dalla rinnovata estetica barocca del Quirinale percorsi avanti e indietro dal giurista attanagliato dal dubbio Mariano De Santis il cui nome suggerirebbe una vocazione cristiana a dare la vita e salvare anche se in realtà la sua decisione consiste nel decretare una “buona morte” (eutanasia), e il cognome rimanda alla santità e come un santo svetta dai torrioni del suo palazzo circondato da una suggestiva nuvola di fumo di sigaretta, offerta in assoluta segretezza dal suo angelo custode, il col. Labaro (Orlando Cinque).

Se ne “Il Divo” Sorrentino faceva i conti con il cinismo di Giulio Andreotti e nel dittico “Loro” con il narcisismo berlusconiano, ne “La Grazia” osserviamo un Presidente italiano in evidente crisi e decadenza, personaggio “Frankenstein” frutto di tanti presidenti assemblati che danno vita a un uomo rigoroso e politico serio vissuto nel segno della moderazione, proveniente dalla vecchia scuola democristiana (la figlia Dorotea come la corrente centrista della DC). I nomi sono rivelatori in questo film ma come accade spesso con il regista napoletano bisogna fare i conti con l’utilizzo delle sineddochi, ossia le parti del tutto. Mariano viene soprannominato Cemento Armato (che non può con amara ironia non riportare alla mente il finale de “Le conseguenze dell’amore”), inamovibile nelle sue certezze, saldamente ancorato alla terra, inscalfibile, prevedibile nella noiosa routine e per questo bersaglio del pungente sarcasmo della sua amica Coco Valori (Milvia Marigliano) la quale sembra custodire un segreto importante. Sembra di osservare un personaggio in trappola, prigioniero di dilemmi morali e sentimentali, ma anche di luoghi che somigliano a prigioni o lo sono a tutti gli effetti. Le traiettorie che disegna quando passeggia sono ridondanti, piatte come la linea perfettamente retta che si stagliava all’orizzonte vicino la sua casa natale, avvolta dalla nebbia, con una figura femminile che aleggiava a mezz’aria. Mariano è un personaggio crepuscolare, senza Aurora. E poi arriva il momento in cui si trova in una sala vuota davanti a uno schermo: sta osservando in diretta un astronauta malinconico a cui scappa una lacrima.

La lacrima fluttua fino a incontrare il dito incuriosito di Mariano che forse per un momento si abbandona all’assenza di gravità e si fa più leggero raccogliendo il senso dell’universo che racchiude quell’immagine proveniente dallo spazio. L’immagine come epifania e connessione con altre dimensioni. Sorrentino filma ancora una volta un’opera che si interroga e ci interroga sulla relazione tra noi e il mondo, senza necessariamente fornire una risposta perché in fondo la verità è una scalata verso l’impossibile.

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Ero pressoché un adolescente già avido consumatore di film e nei rari momenti in cui mio padre riusciva a sfuggire alle mie puntuali ed estenuanti richieste di portarmi in videoteca per noleggiare un nuovo DVD, mi rifugiavo da mio nonno, il mago del computer, così mi piaceva chiamarlo a causa della sua risolutezza e conoscenza del mezzo informatico. Sulla scrivania della sua camera era solito riunire pile di dischi colmi di titoli cinematografici rigorosamente scritti a penna dove amavo perdermi alzandone uno alla volta dall’apposito alloggio alla ricerca di quel titolo che ancora mi mancava. Ricordo l’odore del policarbonato che soddisfaceva il mio olfatto quando mi sono imbattuto in un titolo che ha subito catturato la mia attenzione: “Corvo Rosso non avrai il mio scalpo!”. Consumai quel disco e non saprei bene spiegarne il motivo, ma c’era qualcosa nella figura di Jeremiah Johnson, barba folta e caschetto biondo, che mi parlava nonostante la sua laconicità, mi accoglieva malgrado l’atteggiamento da eremitico, mi inquietava per i toni grezzi e l’impetuosità delle figure statuarie dei Corvi. E’ stato probabilmente in quel momento che ho riconosciuto senza conoscerlo davvero l’importanza attoriale di Redford. Come accidenti è riuscito a non perdere lo scalpo? Uno scalpo così poi? Lo scalpo degli scalpi, pensavo. Riesce addirittura ad ottenere pace e rispetto con Mano che Segna Rosso, capo della tribù dei Corvi. Riflettendoci a posteriori la straordinaria capacità di Redford attore è quella di fare muovere il personaggio che interpreta verso di lui, ed è questa una delle più grandi qualità per un attore prettamente se non esclusivamente cinematografico. Il tratto più riconoscibile di Redford, quei ciuffi biondi che nemmeno la finzione può sottrarre. Era il 1972 quando Sidney Pollack dirigeva quello che sarebbe diventato uno dei sodalizi più folgoranti della storia del cinema. Pollack-Redford per altre sei volte: Questa ragazza è di tutti (1966), Come Eravamo (1973), I Tre Giorni del Condor (1975), Il Cavaliere Elettrico (1979), La mia Africa (1985) e Havana (1990).

Gli anni ’70 sono il porto principale dove pescare ruoli nel mare magnum filmografico dell’attore californiano tra cui Il Candidato (1972) di Michael Ritchie, girato all’alba dello scandalo Watergate in cui il Senatore democratico vincente alle elezioni, Bill McKay (Redford) si ritrova con il suo consulente politico isolato in una stanza vuota domandandosi “E adesso cosa facciamo?” in uno degli epiloghi più disarmanti di tutta la New Hollywood e ancora come non mettere nel calderone il suo fulminante e sorprendente esordio alla regia nel 1980 con Gente Comune, affresco lucidamente tragico della condizione della famiglia americana all’alba della raeganomics, anch’esso con un finale travolgente che vede un padre di famiglia (Donald Sutherland) allontanare la moglie sentimentalmente atrofizzata (Mary Tyler Moore) dopo aver perso l’adorato primogenito in un fatale incidente ai danni di una mancata riconciliazione con il secondogenito assalito dai sensi di colpa. Quel “Ti voglio bene” come battuta finale è una lama infilzata nel petto.

Tutto il cinema di e con Robert Redford affronta delle costanti emotive, il dolore della perdita in un mondo distrutto che cerca di ritrovare un po’ di umanità perduta (Proposta Indecente, 1993), l’incitamento alla ribellione, la forza di mantenere vivo il cuore (L’uomo che sussurrava i cavalli, 1998). Nel 2018 annunciava il ritiro dalle scene e pur prendendone atto non credo di essere mai riuscito a digerire quella notizia, figuriamoci quella della sua scomparsa. Il cuore di Robert Redford, il divo gentile, scorrerà sempre in mezzo a quel fiume nel Montana che tanto amava filmare. Per quanto mi riguarda, dopo tanti anni, non mi resta che continuare a scorrere le dita tra i titoli dei suoi film. Non scritti più a penna, però.

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Gli action/thriller del ProdAuttore Cruise sono veri e propri franchise da controllare in prima persona. Le saghe muscolari e pirotecniche di “Mission: Impossible” e “Jack Reacher”, vengono da lui interamente prodotte e si impongono come emanazioni della “Cruise Factory”. Ethan Hunt e Jack Reacher sono personaggi diversi l’uno dall’altro, digitalizzato e moderno il primo, intuitivo e analogico il secondo, ma sostanzialmente si incontrano nello sfidare l’incedere anagrafico dell’attore (che contribuisce ad aumentarne la narrazione dichiarando a più riprese di non servirsi di stunt) e ne rilanciano la dimensione eroica e superomistica. I “Mission: Impossible” realizzati insieme al regista McQuarrie sono film di puro movimento, retti quasi interamente dal corpo di Cruise/Hunt che si misura con Cameron sul piano della profondità, con Hawks e Kubrick su quello della gravità e con un Entità (AI) onnipotente che sembra essere imbattibile soprattutto sulla velocità combattendola con la capacità che trasforma l’impossibile in possibile e che rende un film puro cinema: il tempismo (In un battito di ciglia come vorrebbe la grande tradizione del montaggio). Il mondo rappresentato è numerizzato e binarizzato in cui tutto è connesso e il capitolo conclusivo contrappone un’AI che vuole distruggere il mondo all’uomo portando la saga a trasformarsi progressivamente in una metariflessione sull’evoluzione del blockbuster dagli anni ’90 all’era post-digitale: tensione palpabile tra il tempo dell’azione e il tempo della storia cinematografica che tenta un’operazione narrativa, estetica e ontologica.  Consapevolezza teorica che in Tom Cruise nasce sempre dalla pratica: “ho studiato a fondo la vecchia Hollywood e quel modo di produzione ormai passato per capire le mie origini. Sono sempre stato certo che un giorno quelle cose le avrei rimesse in circolo in maniera diversa”.

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Eppure ce lo ha sempre mostrato sullo schermo, forse era più evidente di quello che sembrava ma inevitabilmente eravamo troppo occupati a tenere gli occhi fissi sulla visionarietà della tecnica, in trepidante attesa di un nuovo sconvolgente escamotage orrorifico che ci proiettasse in un altrove futuristico alla ricerca di segnali preveggenti sul mondo e riflettendoci, una delle caratteristiche travolgenti di tutta l’opera cronenbergiana è quella di essere in costante sfida con sé stesso, di mettersi sempre in discussione, essere capace di colpire lo spettatore in punti diversi stordendolo come fosse un pugile all’angolo del ring chiamato a reagire colpo su colpo per rimettere in equilibrio il match. In un’intervista del 1983 confessa “Bisogna vivere una vita in equilibrio tra sicurezza e disastro. Non credo che lo scopo della vita sia quello di trovare una nicchia che sia totalmente sicura e protetta, perché penso che questa realtà sia la morte. D’altra parte, personalmente non voglio vivere in mezzo al caos e al disastro. Non voglio una cosa né l’altra, e questo significa che sono costantemente in equilibrio.”

Di recente tornato al Festival di Cannes 2024 con il suo ultimo lavoro intitolato “The Shrouds – Segreti Sepolti”, Cronenberg è uno dei cineasti che a partire dagli anni ’80 ha intuito con più lucidità e preveggenza la centralità del corpo senza separarlo, però, dalla dimensione cerebrale e tecnologica (carne-metallo). Il suo stile glaciale e granitico, chirurgico e patogeno evoca la paranoia e il delirio, istanze mortifere aleggiate da complottismo e fantasmi del passato. Il Professor Canova direbbe inoltre “Non è uno stimolatore clitorideo del visibile” poiché non c’è traccia di empatia, l’approccio con il quale indaga il corpo, sesso e mutazioni è tanto più fisico sul piano del visibile quanto in quello concettuale. Dramma più musica, lo iato, ovvero l’abisso che separa il desiderio dal reale: si ottiene questa definizione scomponendo i significanti del genere tanto caro alle Hollywood degli anni ’50, il melodramma, che il regista di Toronto riesce a declinare utilizzando un registro eccessivo e raffreddato (fuoco e ghiaccio) e a costruire, così, una coincidenza degli opposti.

I personaggi tratteggiati da Cronenberg non sanno più riconoscere cosa sia e cosa non sia la realtà, sono tutti messi in condizione di vedere troppo o troppo poco: vittime dell’incapacità di distinguere la finitezza del loro corpo e l’infinità del mondo che li circonda attraverso le forme del gore sono teatro dell’impianto di vere e proprie mostre degli orrori psichici, labirinti e scatole cinesi dentro cui perdersi. Sono, quindi, soggetti che non si tengono, smarriti nella loro soggettività, che conoscono troppo bene diversi aspetti del reale da non riuscire a vederlo a pieno: scienziati, politici, artisti, medici, psicologi.

The Shrouds (I sudari in italiano), in sala dal 3 Aprile 2025, racconta di un produttore canadese di video industriali che ha perso sua moglie Rebecca (inevitabile ripensare ai sospetti fantasmatici e alle ossessioni tanto care a Hitchcock) quattro anni prima e decide di fondare un cimitero futuristico nel quale ogni salma è avvolta in un sudario con installate microcamere con uno schermo che permette ai cari di osservare il progressivo disfacimento dei loro defunti. Siamo di fronte a un ennesimo confine tra vita e morte, visione e cecità in questa storia di fantasmi personale e autobiografica che contiene tutto il cinema di Cronenberg: voyerismo, pulsione del desiderio, riflessioni sulla condizione post-mediale. Un astratto e affascinante melodramma dell’orrore che ancora una volta ci fa fare i conti con amori impossibili, fantasmi che ci tormentano e punti di vista alternativi sulle modalità di pensare il cinema oggi.

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01 – La Zona d’Interesse – Jonathan Glazer: segue pedissequamente la tranquilla vita di Rudolf Höss, primo comandante del campo di concentramento di Auschwitz, e della sua famiglia. Glazer aggredisce il testo di riferimento allestendo una commedia disumana glaciale che influenza l’inconscio dello spettatore in costante alternanza tra ciò che si vede e ciò che non si vede. La banalità del male, purissima. Straordinaria decostruzione e rielaborazione del mélo che regala nuove prospettive e punti di vista appena fuori dal lager.

02 – Horizon: An American Saga: Capitolo 1 – Kevin Costner: epopea western che narra le vicende di coloni, un mercante di bestiame e una carovana diretta a Santa Fe intorno al 1863. In questo straordinario affresco iperclassico ritroviamo tutto ciò che era andato perduto: John Ford nei duetti tra una signora e un militare; Gary Cooper nella presenza attoriale di Costner; la frettolosità anti drammatica di Arthur Penn nei duelli; l’umanesimo di Anthony Mann. Costner sa che al cinema ciò che veramente conta è la linea dell’orizzonte.

03 – Giurato Numero 2 – Clint Eastwood: Ancora una volta a fare la giustizia non bastano le regole, i sistemi, le procedure, le leggi. Un’indagine sulla colpa e sulle contraddizioni del sistema processuale americano: dubbi, risposte mancate, spettri ma anche speranze, riflessioni, occasioni. Quale è la cosa giusta da fare? Campo. Controcampo. Fine.

04 – All We Imagine As Light – Payal Kapadia: la regista indiana filma un viaggio dal movimento molteplice e simbolico: inquadra il racconto dal generale al particolare, dal collettivo all’individuale. Lo spirito di Mumbai parla attraverso le figure indimenticabili delle protagoniste, Anu e Prabha, che vagano erranti alla ricerca di una nuova società possibile. Un cinema che intreccia concreto e astratto, un tunnel che scava nelle profondità dell’anima.

05 – L’Innocenza – Hirokazu Kore-eda: Avvolgente, spiazzante, struggente l’ultima opera del cineasta nipponico che torna a mettere sotto la lente di ingrandimento la famiglia dove, stavolta, si annidano fantasmi inconfessabili, peccati e bugie. Un concentrato di ritratti, misteri e frantumi familiari che confermano lo sguardo affascinante e complesso, decisamente necessario di Kore-eda.

06 – Hey Joe – Claudio Giovannesi: un cinema che sa andare dritto al cuore delle cose, guardare, illuminare. Il desiderio di un padre (James Franco in stato di grazia), di una seconda chance che sa dare forma e movimento anche alla storia e al dolore sociale di un luogo.

07 – Finalement – Claude Lelouch: il cineasta francese ancora una volta ci fa fare i conti con la sua poetica: la realtà non ha nessuna soluzione di continuità con la fantasia. La realtà è una contraddizione: scegliere non significa rinunciare al caso.

08 – Flow – Un Mondo Da Salvare – Gints Zilbalodis, Matiss Kaza: una parabola che segue i modi, i tempi, i toni e ritmi dell’ambiente naturale e nella sua natura esperienziale un veicolo ideale di emotività e di immagini acquerello che eliminano la parola e lasciano campo libero ai suoni e all’odissea che vive il micetto nero protagonista del film d’animazione più interessante e sconvolgente degli ultimi anni.

09 – Bestiari Erbari Lapidari – Massimo D’Anolfi, Martina Parenti: un archivio di immagini raccolte negli anni per un film che cresce in larghezza e in altezza abbracciando l’esistente dal punto di vista dell’uomo e si domanda quale sia, sul pianeta di cui siamo parte, il senso di tale posizione, prima ancora che di sguardo. In perenne ricerca della sintesi di una visione del mondo attraverso il montaggio come principio regolatore della conoscenza.

10 – Los Colonos – Felipe Gálvez Haberle: percorso sudamericano di riscoperta del proprio passato dittatoriale e colonialista. Un western che vive di contrasti e immagini sature in bilico tra approccio teorico e filosofico dove le azioni dei personaggi diventano allegorie della complessità dei processi storici.

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“Nessuna delle motivazioni con le quali i sedicenti ambientalisti hanno tentato di bloccare il progetto TSM2 si è dimostrata fondata, le considerazioni con le quali si voleva privare la nostra comunità di una occasione di sviluppo fondamentale sono state tutte confutate. Questa potrebbe essere una giornata di gioia, nella quale ci si trova ancora una volta confortati dalla conferma che si è lavorato con serietà, coscienza e professionalità, ma così non può essere. Non si può essere felici quando le aspettative di una comunità sono state costrette ad anni di attesa dai deliri di poche persone autonominatesi tutrici di qualcosa che poi, alla luce dei fatti, si dimostra non hanno affatto compreso.” Dichiara Il Sindaco della Città di Rieti Daniele Sinibaldi. 

“Noi continueremo ad andare avanti, certi delle nostre ragioni, oggi tutte confermate. Era corretta la nostra tesi secondo cui gli impianti che siamo decisi a realizzare siano strutture pubbliche dirette all’erogazione di un pubblico esercizio. La sentenza dice ancora di più e meglio parlando di rilevanza pubblica sotto il profilo economico e sociale. I giudici hanno compreso e decretato vero quello che diciamo da anni, richiamando anche l’art. 33 della Costituzione nel quale si cita “il valore educativo, sociale e di promozione del benessere psicofisico dell’attività sportiva in tutte le forme”, e non solo in quelle decise da qualcuno. Nulla in quella procedura è stato sbagliato o sottovalutato, a cominciare proprio dalla tutela dell’ambiente e di tutte le norme che lo tutelano e anche di quegli orsi che ora, è stato anche stabilito con una sentenza, in quelle aree, a quelle quote, non si sono proprio mai visti.

Noi continueremo ad andare avanti e a lavorare per la nostra comunità e per la nostra montagna, ai pochi che hanno cercato di privarci tutti di un importante strumento di sviluppo adesso non chiediamo neanche di chiedere scusa, non ci aspettiamo lo faranno, chiediamo solo di leggere con attenzione la sentenza e trovare in quelle pagine le motivazioni dei loro torti.”

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Di seguito le sue dichiarazioni:

“Sono molto felice del fatto che l’iniziativa abbia raccolto molto interesse e abbia toccato il cuore di molti giovani, che da Rieti, ma anche da diverse parti d’Italia, hanno appoggiato #Maipiùsola condividendo l’hashtag. Il dato positivo di cui sono più entusiasta riguarda i ragazzi, gli uomini, che hanno subito risposto presente sottolineando che siamo noi in primis a fare della lotta alla violenza contro le donne una nostra battaglia. Ringrazio anche le personalità di caratura nazionale e le istituzioni che hanno deciso e decideranno di appoggiare la campagna di sensibilizzazione.”

23_11_2024

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